Duke Ellington - Duke Ellington

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Duke Ellington
Ellington c. Années 1940
Ellington c. Années 1940
Informations d'arrière-plan
Nom de naissanceEdward Kennedy Ellington
(1899-04-29)29 avril 1899
Washington DC., NOUS.
Décédés24 mai 1974(1974-05-24) (75 ans)
La ville de New York, NOUS.
Genresle jazz, balançoire
Profession (s)
  • Chef d'orchestre
  • Musicien
  • Compositeur
InstrumentsPiano
Années actives1914–1974
Actes associésBilly Strayhorn
Site InternetDukeellington.com

Edward Kennedy "Duc" Ellington (29 avril 1899-24 mai 1974) était un compositeur américain, pianiste et chef d'un orchestre de jazz, qu'il a dirigé de 1923 jusqu'à sa mort au cours d'une carrière de plus de six décennies.[1]

Né en Washington DC., Ellington était basé à La ville de New York à partir du milieu des années 1920 et a acquis un profil national grâce aux apparitions de son orchestre à la Club de coton dans Harlem. Dans les années 30, son orchestre effectue une tournée en Europe. Bien que largement considéré comme une figure charnière de l'histoire de le jazz, Ellington a embrassé l'expression «au-delà de la catégorie» comme un principe libérateur et a fait référence à sa musique comme faisant partie de la catégorie plus générale de la musique américaine.[2]

Certains des musiciens de jazz qui étaient membres de l'orchestre d'Ellington, comme le saxophoniste Johnny Hodges, sont considérés parmi les meilleurs joueurs de l'idiome. Ellington les a fusionnés pour former l'unité orchestrale la plus connue de l'histoire du jazz. Certains membres sont restés avec l'orchestre pendant plusieurs décennies. Un maître dans l'écriture de miniatures pour le format d'enregistrement de trois minutes 78 tours, Ellington a écrit plus de mille compositions; son vaste corpus d'œuvres est le plus grand héritage de jazz personnel enregistré, et nombre de ses pièces sont devenues normes. Il a également enregistré des chansons écrites par ses musiciens, par exemple Juan Tizol's "Caravane", et "Perdido", qui a apporté un Teinte espagnole au jazz big band. Au début des années 40, Ellington entame une collaboration de près de trente ans avec le compositeur-arrangeur-pianiste Billy Strayhorn, qu'il appelait son compagnon d'écriture et d'arrangement.[3] Avec Strayhorn, il compose de nombreuses compositions prolongées, ou suites, ainsi que de courtes pièces supplémentaires. Suite à une apparition au Festival de jazz de Newport en juillet 1956, Ellington et son orchestre connurent un renouveau majeur et se lancèrent dans des tournées mondiales. Ellington a enregistré pour la plupart des maisons de disques américaines de son époque, a joué et a marqué plusieurs films et a composé une poignée de comédies musicales.

Ellington était connu pour son utilisation inventive de l'orchestre, ou du big band, et pour son éloquence et son charisme. Sa réputation a continué à augmenter après sa mort et il a reçu une récompense posthume. Prix ​​spécial du prix Pulitzer pour la musique en 1999.[4]

Première vie et éducation

Ellington est né le 29 avril 1899 de James Edward Ellington et Daisy (Kennedy) Ellington à Washington, D.C. Ses deux parents étaient pianistes. Daisy a principalement joué chansons de salon, et James a préféré l'opéra arias. Ils vivaient avec les parents de Daisy au 2129 Ida Place (maintenant Ward Place), NW, à D.C. extremite ouest quartier.[5] Le père de Duke est né en Lincolnton, Caroline du Nord, le 15 avril 1879, et s'installe à D.C. en 1886 avec ses parents.[6] Daisy Kennedy est née à Washington, D.C., le 4 janvier 1879, fille de deux anciens Américains des esclaves.[5][7] James Ellington a fait plans pour le Marine des États-Unis.

Quand Edward Ellington était enfant, sa famille a fait preuve de fierté raciale et de soutien à la maison, tout comme de nombreuses autres familles. Les Afro-Américains de D.C. ont travaillé pour protéger leurs enfants des Jim Crow lois.[8]

À sept ans, Ellington a commencé à prendre des cours de piano avec Marietta Clinkscales. Daisy a entouré son fils de femmes dignes pour renforcer ses manières et lui apprendre l'élégance. Ses amis d'enfance ont remarqué que sa manière désinvolte et désinvolte et sa robe élégante lui donnaient l'allure d'un jeune noble,[9] alors ils ont commencé à l'appeler "Duke". Ellington a crédité son ami Edgar McEntree pour le surnom. "Je pense qu'il a estimé que pour que je puisse être éligible à sa compagnie constante, je devrais avoir un titre. Alors il m'a appelé Duke."[10]

Bien qu'Ellington prenne des cours de piano, il était plus intéressé par le baseball. "Président Roosevelt (Teddy) passait parfois à cheval et s'arrêtait et nous regardait jouer », se souvient-il.[11] Ellington est allé à École secondaire technique Armstrong à Washington, D.C. Son premier emploi était de vendre des arachides à Sénateurs de Washington jeux de baseball.

Ellington a commencé à se faufiler dans la salle de billard de Frank Holiday à l'âge de quatorze ans. Entendre la musique des pianistes de la salle de billard a enflammé l'amour d'Ellington pour l'instrument, et il a commencé à prendre ses études de piano au sérieux. Parmi les nombreux pianistes qu'il écoutait figuraient Doc Perry, Lester Dishman, Louis Brown, Turner Layton, Gertie Wells, Clarence Bowser, Sticky Mack, Aveugle Johnny, Cliff Jackson, Claude Hopkins, Phil Wurd, Caroline Thornton, Luckey Roberts, Eubie Blake, Joe Rochester et Harvey Brooks.[12]

À l'été 1914, alors qu'il travaillait comme soda secousse au Poodle Dog Café, Ellington a écrit sa première composition, "Soda Fountain Chiffon"(également connu sous le nom de" Poodle Dog Rag "). Il a créé le morceau à l'oreille, car il n'avait pas encore appris à lire et à écrire de la musique." Je jouais le 'Soda Fountain Rag' comme un un pas, deux étapes, valse, tango, et trot de renard", Se souvient Ellington." Les auditeurs n'ont jamais su que c'était le même morceau. J'ai été établi comme ayant mon propre répertoire. "[13] Dans son autobiographie, La musique est ma maîtresse (1973), Ellington a écrit qu'il avait manqué plus de cours qu'il n'en avait assisté, estimant à l'époque que le piano n'était pas son talent.

Ellington a continué d'écouter, de regarder et d'imiter rag-time pianistes, non seulement à Washington, D.C., mais à crême Philadelphia et Atlantic City, où il a passé des vacances avec sa mère pendant l'été.[13] Il entendait parfois de la musique étrange jouée par ceux qui ne pouvaient pas se permettre beaucoup de partitions, donc pour les variations, ils jouaient les feuilles à l'envers.[14] Henry Lee Grant, un Lycée Dunbar professeur de musique, lui a donné des cours particuliers en harmonie. Avec les conseils supplémentaires du pianiste de Washington et chef d'orchestre Oliver "Doc" Perry, Ellington a appris à lire partition, projeter un style professionnel et améliorer sa technique. Ellington a également été inspiré par ses premières rencontres avec pianistes de foulée James P. Johnson et Luckey Roberts. Plus tard à New York, il a suivi les conseils de Will Marion Cook, Fats Waller et Sidney Bechet. Il a commencé à jouer dans des cafés et des clubs dans et autour de Washington, D.C. Son attachement à la musique était si fort qu'en 1916 il a refusé une bourse d'art à la Institut Pratt à Brooklyn. Trois mois avant d'obtenir son diplôme, il a abandonné l'école de formation manuelle Armstrong, où il étudiait l'art commercial.[15]

Carrière

Début de carrière

Travaillant comme peintre d'enseignes indépendant à partir de 1917, Ellington a commencé à assembler des groupes pour jouer pour des danses. En 1919, il rencontre le batteur Sonny Greer du New Jersey, qui a encouragé l'ambition d'Ellington de devenir musicien professionnel. Ellington a construit son entreprise de musique grâce à son travail de jour: lorsqu'un client lui a demandé de faire un signe pour une danse ou une fête, il leur demandait s'ils avaient des divertissements musicaux; sinon, Ellington offrirait de jouer pour l'occasion. Il a également occupé un poste de messager dans les départements de la marine américaine et de l'État, où il a établi un large éventail de contacts.

Ellington a quitté la maison de ses parents et a acheté le sien alors qu'il est devenu un pianiste à succès. Au début, il a joué dans d'autres ensembles, et à la fin de 1917 a formé son premier groupe, "The Duke's Serenaders" ("Colored Syncopators", son annuaire téléphonique a proclamé la publicité).[15] Il était également l'agent de réservation du groupe. Sa première date de jeu était au True Reformer's Hall, où il a remporté 75 cents.[16]

Ellington a joué dans toute la région de DC et dans Virginie pour les bals privés et les fêtes d'ambassade. Le groupe comprenait un ami d'enfance Otto Hardwick, qui a commencé à jouer de la contrebasse, puis est passé au saxophone mélodique et a finalement opté pour le saxophone alto; Arthur Whetsol à la trompette; Elmer Snowden sur banjo; et Sonny Greer à la batterie. Le groupe a prospéré, se produisant pour le public afro-américain et blanc, une rareté dans le séparé société du jour.[17]

Pressage britannique de "East St. Louis Toodle-Oo" (1927)

Lorsque son batteur Sonny Greer a été invité à rejoindre le Sweatman Wilber Orchestra à New York, Ellington a quitté sa brillante carrière à D.C. et a déménagé à Harlem, devenant finalement une partie de la la renaissance d'Harlem. De nouvelles folies de danse comme le Charleston émergé à Harlem, ainsi qu'en afro-américain Théâtre musical, y compris Eubie Blakede Aléatoire. Après que les jeunes musiciens aient quitté le Sweatman Orchestra pour se lancer seuls, ils ont trouvé une scène de jazz émergente qui était très compétitive avec des incursions difficiles. Ils piscine bousculée par jour et a joué tous les concerts qu'ils pouvaient trouver. Le jeune groupe a rencontré le pianiste Stride Willie "Le Lion" Smith, qui les a présentés à la scène et leur a donné de l'argent. Ils ont joué à fêtes de location pour le revenu. Après quelques mois, les jeunes musiciens sont retournés à Washington, découragés.

En juin 1923, ils ont joué un concert dans Atlantic City, New Jersey et un autre au prestigieux club exclusif de Harlem. Cela a été suivi en septembre 1923 par un déménagement au Hollywood Club (au 49e et Broadway) et un engagement de quatre ans, qui a donné à Ellington une base artistique solide. Il était connu pour jouer le clairon à la fin de chaque représentation. Le groupe s'appelait initialement Elmer Snowden et son Black Sox Orchestra et comptait sept membres, dont le trompettiste James "Bubber" Miley. Ils se sont rebaptisés les Washingtonians. Snowden a quitté le groupe au début de 1924 et Ellington a pris la relève en tant que chef d'orchestre. Après un incendie, le club a été rouvert sous le nom de Club Kentucky (souvent appelé Kentucky Club).

Ellington a ensuite fait huit disques en 1924, recevant le crédit de composition sur trois dont "Choo Choo".[18] En 1925, Ellington a contribué quatre chansons à Chocolat Kiddies avec Lottie Gee et Adelaide Hall,[19] une revue entièrement afro-américaine qui a introduit le public européen aux styles et aux interprètes afro-américains. Duke Ellington et son Kentucky Club Orchestra sont devenus un groupe de dix joueurs; ils ont développé leur propre son en affichant l'expression non traditionnelle des arrangements d'Ellington, les rythmes de rue de Harlem, et les grognements et wah-wahs de trombone aux sonorités exotiques, les trompettes grinçantes et les coups de langue de saxophone blues des membres du groupe. Pendant une courte période, saxophoniste soprano Sidney Bechet joué avec eux, donnant sa propulsion balançoire et une musicalité supérieure aux jeunes membres du groupe.

Engagement du Cotton Club

En octobre 1926, Ellington conclut un accord avec l'agent-éditeur Irving Mills,[20] donnant à Mills un intérêt de 45% dans l'avenir d'Ellington.[21] Mills avait un œil pour les nouveaux talents et les compositions publiées par Hoagy Carmichael, Champs de Dorothy, et Harold Arlen au début de leur carrière. Après avoir enregistré une poignée de titres acoustiques en 1924–1926, la signature d'Ellington avec Mills lui a permis d'enregistrer de manière prolifique, bien qu'il enregistrait parfois différentes versions du même morceau. Mills a souvent pris un crédit de co-compositeur. Dès le début de leur relation, Mills a organisé des sessions d'enregistrement sur presque tous les labels, y compris Brunswick, Victor, Columbia, OKeh, Pathê (et son label Perfect), le groupe de labels ARC / Plaza (Oriole, Domino, Jewel, Banner) et leurs labels de dime-store (Cameo, Lincoln, Romeo), Hit of the Week et les labels les moins chers de Columbia (Harmony, Diva , Velvet Tone, Clarion) qui ont donné à Ellington une reconnaissance populaire. Sur OKeh, ses disques étaient généralement publiés sous le nom de The Harlem Footwarmers, tandis que ceux du Brunswick étaient généralement publiés sous le nom de The Jungle Band. Whoopee Makers et les dix baies noires étaient d'autres pseudonymes.

En septembre 1927, Roi Oliver a refusé une réservation régulière pour son groupe en tant que groupe de maison à Harlem's Club de coton;[22] l'offre est passée à Ellington après Jimmy McHugh lui a suggéré et Mills a organisé une audition.[23] Ellington a dû passer d'un groupe de six à onze membres pour répondre aux exigences de la direction du Cotton Club pour l'audition,[24] et l'engagement a finalement commencé le 4 décembre.[25] Avec une émission radiophonique hebdomadaire, la clientèle exclusivement blanche et aisée du Cotton Club affluait tous les soirs pour les voir. Au Cotton Club, le groupe d'Ellington a interprété toute la musique des revues, qui mélangeait la comédie, les numéros de danse, le vaudeville, le burlesque, la musique et alcool illicite. Les numéros musicaux ont été composés par Jimmy McHugh et les paroles par Dorothy Fields (plus tard Harold Arlen et Ted Koehler), avec quelques originaux d'Ellington mélangés. (Ici, il a emménagé avec un danseur, sa deuxième femme Mildred Dixon). Les émissions de radio hebdomadaires du club ont donné à Ellington une visibilité nationale, tandis qu'Ellington a également enregistré Fields-JMcHugh et Fats WallerAndy Razaf Chansons.

Adélaïde Hall - Adelaide Hall, enregistré Appel d'amour créole avec Ellington en 1927. L'enregistrement est devenu un succès mondial.

Bien que trompettiste Bubber Miley n'a été membre de l'orchestre que pendant une courte période, il a eu une influence majeure sur le son d'Ellington.[26] En tant que premier représentant de la trompette grognante, Miley a changé le doux son du groupe de danse du groupe en un son plus chaud, que les contemporains ont appelé Jungle Style. En octobre 1927, Ellington et son orchestre enregistrent plusieurs compositions avec Adelaide Hall. Un côté en particulier, "Appel d'amour créole", est devenu une sensation mondiale et a donné à Ellington et à Hall leur premier disque à succès.[27][28] Miley avait composé la plupart de "Appel d'amour créole" et "Fantaisie noir et feu". Un alcoolique, Miley a dû quitter le groupe avant de gagner une plus grande renommée. Il est mort en 1932 à l'âge de 29 ans, mais il a eu une influence importante sur Cootie Williams, qui l'a remplacé.

En 1929, le Cotton Club Orchestra est apparu sur scène pendant plusieurs mois en Florenz ZiegfeldShow Girl, avec des stars du vaudeville Jimmy Durante, Eddie Foy, Jr., Ruby Keeler, et avec de la musique et des paroles de George Gershwin et Gus Kahn. Will Vodery, Le superviseur musical de Ziegfeld, a recommandé Ellington pour le spectacle et, selon John Hasse Au-delà de la catégorie: La vie et le génie de Duke Ellington, "Peut-être pendant la course de Show Girl, Ellington a reçu ce qu'il a appelé plus tard 'de précieuses leçons d'orchestration' de Will Vodery." Dans sa biographie de 1946, Duke Ellington, Barry Ulanov a écrit:

De Vodery, comme il (Ellington) le dit lui-même, il a dessiné son chromatique convictions, ses usages des tons habituellement étrangers à la échelle diatonique, avec l'altération conséquente du caractère harmonique de sa musique, son élargissement, L'approfondissement de ses ressources. Il est devenu habituel d'attribuer les influences classiques à Duke - Delius, Debussy et Effilochage - au contact direct avec leur musique. En fait, sa sérieuse appréciation de ceux-ci et d'autres compositeurs modernes est venue après sa rencontre avec Vodery.[29]

Le travail cinématographique d'Ellington a commencé avec Noir et beige (1929), un afro-américain de 19 minutes RKO court[30] dans lequel il a joué le héros "Duke". Il est également apparu dans le Amos 'n' Andy film Vérifier et revérifier, sorti en 1930. Cette année-là, Ellington et son orchestre ont rencontré un tout autre public dans un concert avec Maurice Chevalier et ils ont également joué au Salle de bal Roseland, "La première salle de bal de l'Amérique". Compositeur d'origine australienne Percy Grainger était un des premiers admirateurs et partisans. Il a écrit "Les trois plus grands compositeurs qui aient jamais vécu sont Bach, Delius et Duke Ellington. Malheureusement Bach est mort, Delius est très malade mais nous sommes heureux d'avoir avec nous aujourd'hui Le duc ".[31] La première période d'Ellington au Cotton Club s'est terminée en 1931.

Le début des années 1930

Ellington a dirigé l'orchestre en dirigeant à partir du clavier en utilisant des signaux de piano et des gestes visuels; il conduisait très rarement avec une matraque. En 1932, son orchestre se composait de six cuivres, de quatre anches et d'une section rythmique de quatre hommes.[32] En tant que chef d'orchestre, Ellington n'était pas un strict disciplinaire; il a maintenu le contrôle de son orchestre avec une combinaison de charme, d'humour, de flatterie et de psychologie astucieuse. Personne complexe et privée, il a révélé ses sentiments uniquement à ses proches et a utilisé efficacement sa personnalité publique pour détourner l'attention de lui-même.

Ellington a signé exclusivement à Brunswick en 1932 et est resté avec eux jusqu'à la fin de 1936 (quoique avec un changement de courte durée de 1933–34 à Victor quand Irving Mills a temporairement déplacé lui et ses autres actes de Brunswick).

Alors que la dépression s'aggravait, l'industrie du disque était en crise, abandonnant plus de 90% de ses artistes en 1933.[33] Ivie Anderson a été embauchée comme chanteuse vedette de l'Orchestre d'Ellington en 1931. Elle est la chanteuse de "Ça ne veut rien dire (si ça n'a pas ce swing)"(1932) parmi d'autres enregistrements. Sonny Greer avait joué occasionnellement des voix et continuait de jouer dans un long métrage de conversation avec Anderson. L'exposition à la radio a aidé à maintenir le profil public d'Ellington alors que son orchestre commençait à tourner. Les autres disques de cette époque comprennent: "Humeur Indigo" (1930), "Dame sophistiquée" (1933), "Solitude"(1934), et"D'humeur sentimentale" (1935)

Alors que le public américain du groupe est resté principalement afro-américain à cette période, l'orchestre d'Ellington a eu une suite importante à l'étranger, illustrée par le succès de leur voyage en Angleterre et en Écosse en 1933 et leur visite en 1934 sur le continent européen. Le 12 juin 1933, le Duke Ellington Orchestra a fait ses débuts britanniques au Palladium de Londres, qui était également sa toute première représentation de concert (plutôt que des spectacles dans des boîtes de nuit, des salles de danse et des hôtels). Pour son premier concert aux États-Unis, à Carnegie Hall, Ellington a dû attendre jusqu'au 23 janvier 1943. La visite britannique a vu Ellington gagner les éloges des membres de la communauté musicale sérieuse, y compris le compositeur Lambert constant, ce qui a stimulé l'intérêt d'Ellington pour la composition d'œuvres plus longues.

Ces pièces plus longues avaient déjà commencé à apparaître. Il avait composé et enregistré "Creole Rhapsody" dès 1931 (publié des deux côtés d'un disque de 12 "pour Victor et des deux côtés d'un disque de 10" pour Brunswick), et un hommage à sa mère, "Reminiscing in Tempo", a pris quatre faces de disques de 10 "pour enregistrer en 1935 après sa mort cette année-là. Symphonie en noir (également 1935), un court métrage, présentait sa longue pièce «A Rhapsody of Negro Life». Il a introduit Billie Holiday, et a remporté un prix de l'Académie comme le meilleur court métrage musical.[34] Ellington et son orchestre sont également apparus dans les fonctionnalités Meurtre aux vanités et Belle des années 90 (les deux 1934).

Pour l'agent Mills, l'attention était un triomphe publicitaire, car Ellington était maintenant internationalement connu. Lors de la tournée du groupe à travers le Sud ségrégé en 1934, ils ont évité certaines des difficultés de voyage des Afro-Américains en voyageant dans des wagons privés. Ceux-ci ont fourni un logement, des repas et un stockage faciles pour l'équipement tout en évitant les indignités des installations séparées.

La concurrence s'intensifiait, cependant, alors que les groupes de swing comme Benny Goodmana commencé à recevoir une attention populaire. La danse swing est devenue un phénomène pour les jeunes, en particulier auprès du public des collèges blancs, et la danse a conduit les ventes de disques et les réservations. Juke-box proliféra dans tout le pays, répandant l'évangile du swing. Le groupe d'Ellington pouvait certainement swinguer, mais leurs forces étaient l'humeur, la nuance et la richesse de la composition, d'où sa déclaration "le jazz est la musique, le swing est le business".[35]

La fin des années 1930

À partir de 1936, Ellington a commencé à faire des enregistrements avec des groupes plus petits (sextets, octets et nonets) tirés de son orchestre de 15 hommes et il a composé des pièces destinées à présenter un instrumentiste spécifique, comme avec "Jeep's Blues" pour Johnny Hodges, "Aspirant à l'amour" pour Lawrence Brown, "Trumpet in Spades" pour Rex Stewart, "Échos de Harlem" pour Cootie Williams et "Clarinet Lament" pour Barney Bigard. En 1937, Ellington est retourné au Cotton Club, qui avait déménagé au centre-ville Quartier des théâtres. À l'été de cette année-là, son père est décédé et, en raison de nombreuses dépenses, les finances d'Ellington étaient tendues, bien que sa situation se soit améliorée l'année suivante.

Après avoir quitté l'agent Irving Mills, il a signé avec le Agence William Morris. Mills a continué à enregistrer Ellington. Après seulement un an, ses labels Master et Variety (les petits groupes avaient enregistré pour ce dernier), s'effondrent à la fin de 1937, Mills replaça Ellington sur Brunswick et ces petits groupes sur Vocalion jusqu'en 1940. Des côtés bien connus continuèrent à être enregistrés , "Caravane»en 1937, et« Je laisse une chanson sortir de mon cœur »l'année suivante.

Ellington en 1939

Billy Strayhorn, à l'origine embauché comme parolier, a commencé son association avec Ellington en 1939.[36] Surnommé "Swee 'Pea" pour sa douceur, Strayhorn est rapidement devenu un membre essentiel de l'organisation d'Ellington. Ellington a montré un grand attachement pour Strayhorn et n'a jamais manqué de parler avec éloge de l'homme et de leur relation de travail collaborative, "mon bras droit, mon bras gauche, tous les yeux derrière ma tête, mon cerveau ondule dans sa tête, et le sien en Mien".[37] Strayhorn, avec sa formation en musique classique, a non seulement contribué ses paroles originales et sa musique, mais a également arrangé et poli de nombreuses œuvres d'Ellington, devenant ainsi un deuxième Ellington ou "Duke's sosie". Il n'était pas rare pour Strayhorn de remplacer Duke, que ce soit en dirigeant ou en répétant le groupe, en jouant du piano, sur scène et en studio d'enregistrement.[38] Les années 1930 se terminent par une tournée européenne très réussie au moment même où la Seconde Guerre mondiale se profile en Europe.

Ellington du début au milieu des années 40

Duke Ellington au Hurricane Club, Broadway & W.51St, New York,[39] Mai 1943

Certains des musiciens qui ont rejoint Ellington à cette époque ont créé une sensation à part entière. L'éphémère Jimmy Blanton a transformé l'utilisation de la contrebasse dans le jazz, lui permettant de fonctionner comme un instrument solo / mélodique plutôt que comme un instrument rythmique seul. Une maladie terminale l'a forcé à partir à la fin de 1941 après seulement environ deux ans. Ben Webster, le premier saxophoniste ténor régulier de l'orchestre, dont le mandat principal avec Ellington s'étendait de 1939 à 1943, a commencé une rivalité avec Johnny Hodges en tant que voix principale de l'orchestre dans la section saxophone.

Trompette Ray Nance rejoint, remplacement Cootie Williams qui avait fait défection pour Benny Goodman. De plus, Nance a ajouté le violon aux couleurs instrumentales qu'Ellington avait à sa disposition. Il existe des enregistrements de la date du premier concert de Nance le 7 novembre 1940 à Fargo, Dakota du Nord. Fabriqué en privé par Jack Towers et Dick Burris, ces enregistrements ont été légitimement publiés pour la première fois en 1978 sous le nom de Duke Ellington à Fargo, 1940 Live; ils sont parmi les premiers des innombrables performances live qui survivent. Nance était également un chanteur occasionnel, bien que Herb Jeffries était le principal chanteur masculin de cette époque (jusqu'en 1943) tandis que Al Hibbler (qui a remplacé Jeffries en 1943) a continué jusqu'en 1951. Ivie Anderson a quitté en 1942 pour des raisons de santé après 11 ans, le plus long terme de l'un des chanteurs d'Ellington.[40]

Encore un enregistrement pour Victor (à partir de 1940), les petits groupes étant émis sur leur Oiseau bleu étiquette, chefs-d'œuvre de trois minutes sur Record de 78 tours les côtés ont continué à affluer d'Ellington, Billy Strayhorn, le fils d'Ellington Mercer Ellington, et les membres de l'orchestre. "Queue de coton"," Potence principale ","Arbre à air Harlem"," Jack l'ours ", et des dizaines d'autres datent de cette période. Strayhorn's"Prenez le train «A»", un succès en 1941, est devenu le thème du groupe, remplaçant"East St.Louis Toodle-Oo". Ellington et ses associés ont écrit pour un orchestre de voix distinctives qui a fait preuve d'une immense créativité.[41] Mary Lou Williams, travaillant comme arrangeur, rejoindra brièvement Ellington quelques années plus tard.

L'objectif à long terme d'Ellington, cependant, était d'étendre la forme du jazz à partir de cette limite de trois minutes, dont il était un maître reconnu.[42] Bien qu'il ait déjà composé et enregistré quelques pièces prolongées, ces œuvres sont maintenant devenues une caractéristique régulière de la production d'Ellington. En cela, il a été aidé par Strayhorn, qui avait bénéficié d'une formation plus approfondie dans les formes associées à la musique classique qu'Ellington. Le premier de ceux-ci, Noir, marron et beige (1943), se consacre à raconter l'histoire des Afro-Américains et la place de l'esclavage et de l'Église dans leur histoire. Noir, marron et beige fait ses débuts à Carnegie Hall le 23 janvier 1943, débutant une série annuelle de concerts d'Ellington sur place au cours des quatre prochaines années. Alors que certains musiciens de jazz avaient joué au Carnegie Hall auparavant, aucun n'avait joué quelque chose d'aussi élaboré que le travail d'Ellington. Malheureusement, commençant un modèle régulier, les travaux plus longs d'Ellington n'ont généralement pas été bien accueillis.

Une exception partielle était Sauter de joie, une comédie musicale intégrale basée sur des thèmes de l'identité afro-américaine, a fait ses débuts le 10 juillet 1941 au Théâtre maya à Los Angeles. Les sommités hollywoodiennes telles que les acteurs John Garfield et Mickey Rooney investi dans la production, et Charlie Chaplin et Orson Welles offert de diriger.[43] Lors d'une représentation cependant, Garfield a insisté sur le fait que Herb Jeffries, qui avait la peau claire, devrait se maquiller. Ellington a objecté dans l'intervalle, et a comparé Jeffries à Al Jolson. Le changement a été annulé et le chanteur a déclaré plus tard que le public devait penser qu'il était un personnage entièrement différent dans la seconde moitié de l'émission.[44]

Bien qu'il ait eu des performances à guichets fermés et reçu des critiques positives,[45] il n'a couru que pour 122 représentations jusqu'au 29 septembre 1941, avec une brève reprise en novembre de cette année. Son sujet ne le rendait pas attrayant pour Broadway; Ellington avait des plans non réalisés pour y emmener.[46] Malgré cette déception, une production de Broadway d'Ellington Vacances du mendiant, son unique livre musical, créé le 23 décembre 1946,[47] sous la direction de Nicolas Ray.

Le règlement de la première interdiction d'enregistrement de 1942–43, conduisant à une augmentation des redevances versées aux musiciens, a eu un effet sérieux sur la viabilité financière des big band, y compris Ellington's Orchestra. Ses revenus en tant qu'auteur-compositeur l'ont finalement subventionné. Bien qu'il ait toujours dépensé généreusement et tiré un revenu respectable des opérations de l'orchestre, les revenus du groupe ne couvraient souvent que les dépenses.[48]

Les premières années d'après-guerre

Les musiciens s'enrôlant dans l'armée et les restrictions de voyage ont rendu les tournées difficiles pour les grands orchestres et la danse est devenue soumise à une nouvelle taxe, qui a continué pendant de nombreuses années, affectant les choix des propriétaires de clubs. À la fin de la Seconde Guerre mondiale, la musique populaire se tournait vers les chanteurs de chanteurs tels que Frank Sinatra et Jo Stafford. Alors que le coût de l'embauche de grands groupes avait augmenté, les propriétaires de clubs trouvaient maintenant les petits groupes de jazz plus rentables. Certaines des nouvelles œuvres d'Ellington, comme le long métrage vocal sans paroles "Transblucency" (1946) avec Kay Davis, n'allait pas avoir une portée similaire à celle des étoiles émergentes.

Ellington pose avec son piano au KFG Radio Studio le 3 novembre 1954.

Ellington a continué sur son propre chemin à travers ces changements tectoniques. Tandis que Count Basie a été contraint de dissoudre tout son ensemble et de travailler comme un octet pendant un certain temps, Ellington a pu tourner la plupart de l'Europe occidentale entre le 6 avril et le 30 juin 1950, avec l'orchestre jouant 74 dates sur 77 jours.[49] Au cours de la tournée, selon Sonny Greer, les nouvelles œuvres n'ont pas été exécutées, bien que la composition étendue d'Ellington, Harlem (1950) était en voie d'être achevé à cette époque. Ellington a ensuite présenté sa partition au président mélomane Harry Truman. Également pendant son séjour en Europe, Ellington composera la musique pour une production scénique de Orson Welles. Titré Le temps passe à Paris[50] et Une soirée avec Orson Welles dans Francfort, l'émission de variétés a également présenté un nouveau Eartha Kitt, qui a interprété la chanson originale d'Ellington "Hungry Little Trouble" comme Hélène de Troie.[51]

En 1951, Ellington subit une perte importante de personnel: Sonny Greer, Lawrence Brown et, surtout, Johnny Hodges laissé pour poursuivre d'autres entreprises, bien que seul Greer était un departee permanent. Le batteur Louie Bellson a remplacé Greer, et son "Skin Deep" a été un succès pour Ellington. Joueur de ténor Paul Gonsalves avait rejoint en décembre 1950[49] après des périodes avec Count Basie et Dizzy Gillespie et est resté pour le reste de sa vie, tandis que Clark Terry rejoint en novembre 1951.[52]

Au début des années 1950, la carrière d'Ellington était à un point bas, son style étant généralement considéré comme dépassé, mais sa réputation n'a pas souffert aussi mal que certains artistes. André Previn a dit en 1952: "Vous savez, Stan Kenton peut se tenir devant mille violons et mille cuivres et faire un geste dramatique et chaque arrangeur de studio peut hocher la tête et dire, Oh, oui, c'est fait comme ça. Mais Duke lève simplement son doigt, trois cornes émettent un son, et je ne sais pas ce que c'est! "[53] Cependant, en 1955, après trois ans d'enregistrement pour Capitole, Ellington n'avait pas d'affiliation d'enregistrement régulière.

Renouveau de carrière

L'apparition d'Ellington au Festival de jazz de Newport le 7 juillet 1956, lui redonna une notoriété plus large et le présenta à une nouvelle génération de fans. La fonctionnalité "Diminuendo et Crescendo en bleu"comprenait deux airs qui figuraient dans le livre du groupe depuis 1937 mais en grande partie oubliés jusqu'à ce qu'Ellington, qui avait brusquement mis fin au set programmé du groupe en raison de l'arrivée tardive de quatre joueurs clés, les appela alors que l'heure approchait de minuit. les deux morceaux seraient séparés par un intermède joué par le saxophoniste ténor Paul Gonsalves, Ellington a dirigé le groupe à travers les deux morceaux, le solo marathon de 27 chœurs de Gonsalves fouettant la foule dans une frénésie, conduisant le Maestro à jouer bien au-delà du couvre-feu malgré les appels urgents de l'organisateur du festival. George Wein pour mettre fin au programme.

Le concert a fait la une des journaux internationaux, a conduit à l'un des cinq Temps des articles de couverture de magazine consacrés à un musicien de jazz,[54] et a abouti à un album produit par George Avakian qui deviendrait le LP le plus vendu de la carrière d'Ellington.[55] Une grande partie de la musique sur le vinyle LP était, en fait, simulée, avec seulement environ 40% du concert lui-même. Selon Avakian, Ellington n'était pas satisfait des aspects de la performance et estimait que les musiciens avaient été sous-répétés.[55] Le groupe s'est réuni le lendemain pour réenregistrer plusieurs des numéros avec l'ajout du faux son d'une foule, dont aucun n'a été divulgué aux acheteurs de l'album. Ce n’est qu’en 1999 que l’enregistrement du concert a été correctement diffusé pour la première fois. Le regain d'attention suscité par l'apparition de Newport n'aurait dû surprendre personne, Johnny Hodges était revenu l'année précédente,[56] et la collaboration d'Ellington avec Strayhorn avait été renouvelée à peu près à la même époque, à des conditions plus favorables au jeune homme.[57]

L'original Ellington à Newport album était la première sortie d'un nouveau contrat d'enregistrement avec Registres de Columbia qui a donné plusieurs années de stabilité d'enregistrement, principalement sous producteur Irving Townsend, qui a convaincu les productions commerciales et artistiques d'Ellington.[58]

En 1957, CBS (La société mère de Columbia Records) a diffusé une production télévisée en direct de Un tambour est une femme, une suite allégorique qui a reçu des critiques mitigées. Son espoir que la télévision fournirait un nouveau débouché significatif pour son type de jazz ne s'est pas réalisé. Les goûts et les tendances avaient évolué sans lui. Apparitions au festival au nouveau Festival de jazz de Monterey et ailleurs ont fourni des lieux pour l'exposition en direct, et une tournée européenne en 1958 a été bien accueillie. Un tel doux tonnerre (1957), basé sur Shakespeare pièces de théâtre et personnages, et La Suite de la Reine (1958), dédié à la Reine Elizabeth II, étaient les produits de l'élan renouvelé que l'apparence de Newport a contribué à créer, bien que ce dernier ouvrage ne fût pas commercialisé à l'époque. La fin des années 1950 a également vu Ella Fitzgerald enregistrez-la Recueil de chansons de Duke Ellington (Verve) avec Ellington et son orchestre - une reconnaissance que les chansons d'Ellington faisaient maintenant partie du canon culturel connu sous le nom de 'Great American Songbook'.

À cette époque, Ellington et Strayhorn ont commencé à travailler sur la bande originale du film notation. Le premier d'entre eux était Anatomie d'un meurtre (1959),[32] un drame de salle d'audience réalisé par Otto Preminger et mettant en vedette James Stewart, dans lequel Ellington est apparu devant un combo roadhouse. Cela a été suivi par Blues de Paris (1961), qui présentait Paul Newman et Sidney Poitier en tant que musiciens de jazz. En 2009 Detroit Free Press Le critique musical Mark Stryker a écrit que le travail d'Ellington et de Strayhorn Anatomie d'un meurtre, est "indispensable, [bien que] ... trop sommaire pour se classer dans le premier échelon parmi les suites de chefs-d'œuvre d'Ellington-Strayhorn comme Un tel doux tonnerre et La Suite Extrême-Orient, mais ses moments les plus inspirés sont leurs égaux. "[59]

Les historiens du cinéma ont reconnu la bande originale "comme un point de repère - la première musique de film hollywoodienne significative par des Afro-Américains comprenant non diégétique la musique, c'est-à-dire la musique dont la source n'est pas visible ou impliquée par l'action dans le film, comme un groupe à l'écran. stéréotypes qui caractérisait auparavant les partitions de jazz et rejetait une stricte adhésion aux visuels d'une manière qui présageait la Nouvelle vague cinéma des années 60 ".[60] Ellington et Strayhorn, toujours à la recherche d'un nouveau territoire musical, ont produit des suites pour John Steinbeckroman de Jeudi doux, Tchaïkovskide Suite Casse-Noisette et Edvard Griegde Peer Gynt.

Au début des années 1960, Ellington a embrassé l'enregistrement avec des artistes qui avaient été des rivaux amicaux dans le passé, ou étaient de jeunes musiciens qui se concentraient sur des styles plus récents. L'Ellington et Count Basie orchestres enregistrés avec l'album Première fois! Le comte rencontre le duc (1961). Pendant une période où Ellington était entre les contrats d'enregistrement, il a fait des enregistrements avec Louis Armstrong (Roulette), Coleman Hawkins, John Coltrane (à la fois pour Impulsion) et a participé à une session avec Charles Mingus et Max Roach qui a produit le Argent Jungle (Artistes unis) album. Il a signé à Frank Sinatraest nouveau Étiquette de reprise, mais l'association avec l'étiquette a été de courte durée.

Les musiciens qui avaient auparavant travaillé avec Ellington sont retournés à l'Orchestre en tant que membres: Lawrence Brown en 1960 et Cootie Williams en 1962.

L'écriture et la lecture de musique sont une question d'intention ... Vous ne pouvez pas simplement jeter un pinceau contre le mur et appeler quoi qu'il arrive de l'art. Ma musique correspond à la personnalité tonale du joueur. Je pense trop fortement en termes de modification de ma musique pour l'adapter à l'interprète pour être impressionné par une musique accidentelle. Vous ne pouvez pas prendre le griffonnage au sérieux.[13]

Il jouait maintenant partout dans le monde; une part importante de chaque année a été consacrée à des tournées à l'étranger. En conséquence, il a noué de nouvelles relations de travail avec des artistes du monde entier, dont le chanteur suédois Alice Babs, et les musiciens sud-africains Marque dollar et Sathima Bea Benjamin (Un matin à Paris, 1963/1997).

Ellington a écrit une partition originale pour le réalisateur Michael Langhamla production de Shakespeare Timon d'Athènes au Festival de Stratford en Ontario, Canada qui a ouvert le 29 juillet 1963. Langham l'a utilisé pour plusieurs productions ultérieures, y compris une adaptation beaucoup plus tardive par Stanley Silverman qui élargit la partition avec certaines des œuvres les plus connues d'Ellington.

Dernières années

Ellington a été présélectionné pour le Prix ​​Pulitzer de musique en 1965, mais aucun prix ne fut finalement décerné cette année-là.[61] Alors âgé de 66 ans, il a plaisanté: "Le destin est gentil avec moi. Le destin ne veut pas que je sois célèbre trop jeune."[62] En 1999, il a reçu à titre posthume un prix spécial Pulitzer "commémorant le centenaire de sa naissance, en reconnaissance de son génie musical, qui évoquait esthétiquement les principes de la démocratie à travers le jazz et apportait ainsi une contribution indélébile à l'art et à la culture."[4][63]

En septembre 1965, il crée le premier de ses Concerts sacrés. Il a créé une liturgie chrétienne jazz. Bien que le travail ait reçu des critiques mitigées, Ellington était fier de la composition et l'a interprétée des dizaines de fois. Ce concert a été suivi de deux autres du même type en 1968 et 1973, connus sous le nom de Deuxième et Troisième Concerts Sacrés. Celles-ci ont généré une controverse à une époque déjà tumultueuse aux États-Unis. Beaucoup ont vu les suites de Musique Sacrée comme une tentative de renforcer le soutien commercial à la religion organisée, bien qu'Ellington ait simplement dit que c'était "la chose la plus importante que j'ai faite".[64] Le Steinway piano sur lequel les Concerts Sacrés ont été composés fait partie de la collection du Smithsoniande Musée national d'histoire américaine. Aimer Haydn et Mozart, Ellington dirigeait son orchestre depuis le piano - il jouait toujours les parties de clavier lors des concerts sacrés.[65]

Duke a eu 65 ans au printemps 1964, mais n'a montré aucun signe de ralentissement alors qu'il continuait à faire des enregistrements vitaux et innovants, y compris La Suite Extrême-Orient (1966), Suite La Nouvelle-Orléans (1970), Suite latino-américaine (1972) et L'éclipse afro-eurasienne (1971), inspiré en grande partie de ses tournées mondiales. C'est à cette époque qu'il enregistre son seul album avec Frank Sinatra, intitulé Francis A. et Edward K. (1967).

Ellington a donné ce qui est considéré comme son dernier concert complet dans une salle de bal à Université du nord de l'Illinois le 20 mars 1974.[66]

Les trois derniers spectacles qu'Ellington et son orchestre ont exécutés en étaient un le 21 mars 1973 à Université Purdue's Hall of Music et deux le 22 mars 1973 à l'Auditorium Sturges-Young à Sturgis, Michigan.[67]

Vie privée

Ellington en 1973

Ellington a épousé sa chérie de lycée, Edna Thompson (décédée en 1967), le 2 juillet 1918, alors qu'il avait 19 ans.[68] Le printemps suivant, le 11 mars 1919, Edna donna naissance à leur fils unique, Mercer Kennedy Ellington.[68]

Ellington a été rejoint à New York par sa femme et son fils à la fin des années vingt, mais le couple s'est rapidement séparé de façon permanente.[69] Selon sa nécrologie en Jet magazine, elle avait "le mal du pays pour Washington" et est revenue.[70] En 1929, Ellington est devenu le compagnon de Mildred Dixon,[71] qui a voyagé avec lui, a géré Tempo Music, a inspiré des chansons telles que "Dame sophistiquée",[72] au sommet de sa carrière, et a élevé son fils.[73][74][75]

Mercer a évoqué Mildred Dixon comme sa mère.

En 1938, il quitta sa famille (son fils avait 19 ans) et emménagea avec Beatrice "Evie" Ellis, une employée du Cotton Club.[76] Leur relation, bien que houleuse, s'est poursuivie après la rencontre d'Ellington et la formation d'une relation avec Fernanda de Castro Monte au début des années 1960.[77] Ellington a soutenu les deux femmes pour le reste de sa vie.[78]

La sœur d'Ellington, Ruth (1915–2004), dirigea plus tard Tempo Music, sa société d'édition musicale.[75] Le deuxième mari de Ruth était le baryton-basse McHenry Boatwright, qu'elle a rencontré lorsqu'il a chanté aux funérailles de son frère.[79] À l'âge adulte, son fils Mercer Ellington (décédé en 1996) jouait de la trompette et du piano, dirigeait son propre groupe et travaillait comme directeur commercial de son père.[80]

Ellington était membre de Alpha Phi Alpha[81] et était un franc-maçon associé à La franc-maçonnerie Prince Hall.[82]

Mort

Ellington est décédé le 24 mai 1974 des complications d'un cancer du poumon et pneumonie,[83] quelques semaines après son 75e anniversaire. Lors de ses funérailles, en présence de plus de 12000 personnes à la Cathédrale Saint-Jean le Divin, Ella Fitzgerald résume l'occasion: "C'est un jour très triste. Un génie est passé."[84]

Il a été enterré dans le Cimetière Woodlawn, le Bronx, La ville de New York.[85]

Héritage

Mémoriaux

De nombreux monuments commémoratifs ont été dédiés à Duke Ellington, dans des villes de New York et Washington, DC à Los Angeles.

Dans le lieu de naissance d'Ellington, à Washington, D.C., le École des arts Duke Ellington éduque des étudiants talentueux, qui envisagent une carrière dans les arts, en offrant un enseignement artistique intensif et des programmes académiques solides qui préparent les étudiants à des études postsecondaires et à une carrière professionnelle. Construit à l'origine en 1935, le pont de la rue Calvert a été renommé le Pont Duke Ellington en 1974. Une autre école est P.S. 004 Duke Ellington à New York.

En 1989, une plaque de bronze a été attachée au bâtiment nouvellement nommé Duke Ellington au 2121 Ward Place, NW.[86] En 2012, le nouveau propriétaire du bâtiment a commandé une peinture murale par Aniekan Udofia qui apparaît au-dessus du lettrage "Duke Ellington". En 2010, le parc triangulaire, en face du site de naissance de Duke Ellington, à l'intersection des rues New Hampshire et M Streets, NW a été nommé le parc Duke Ellington.

La résidence d'Ellington au 2728 Sherman Avenue, NW, pendant les années 1919-1922,[87] est marqué par une plaque en bronze.

Le 24 février 2009, le Menthe des États-Unis a émis une pièce avec Duke Ellington dessus, faisant de lui le premier Afro-Américain à apparaître seul sur une pièce américaine en circulation.[88] Ellington apparaît sur le côté inverse (queues) du district de Columbia trimestre.[88] La pièce fait partie du programme de la Monnaie américaine honorant le district et les territoires américains[89] et célèbre le lieu de naissance d'Ellington dans le district de Columbia.[88] Ellington est représenté sur le quartier assis à un piano, partition à la main, avec l'inscription «Justice pour tous», qui est la devise du District.[89]

En 1986, un timbre commémoratif des États-Unis a été émis avec la ressemblance d'Ellington.[90]

Ellington sur le quartier de Washington, D.C. publié en 2009.

Ellington a vécu ses dernières années à Manhattan, dans une maison de ville au 333 Promenade Riverside près de West 106th Street. Sa sœur Ruth, qui dirigeait sa maison d'édition, y vivait également, et son fils Mercer habitait à côté. Après sa mort, West 106th Street a été officiellement rebaptisé Duke Ellington Boulevard.

Un grand mémorial à Ellington, créé par le sculpteur Robert Graham, a été consacrée en 1997 à New York Parc central, près Fifth Avenue et 110e rue, une intersection nommée Duke Ellington Circle.

Une statue d'Ellington au piano est présentée à l'entrée de UCLALa salle Schoenberg. Selon UCLA magazine:

Lorsque les étudiants de l'UCLA ont été fascinés par les airs provocateurs de Duke Ellington lors d'un Culver City club en 1937, ils ont demandé à la grande comédie musicale en herbe de jouer un concert gratuit à Salle Royce. «J'attendais que quelqu'un nous demande! Le jour du concert, Ellington a accidentellement mélangé les salles et s'est rendu à l'USC à la place. Il est finalement arrivé sur le campus de l'UCLA et, pour s'excuser de son retard, a joué devant la foule bondée pendant plus de quatre heures. Et ainsi, "Sir Duke" et son groupe ont joué la toute première performance de jazz dans une salle de concert.[91]

Le Essentiellement Ellington High School Jazz Band Competition and Festival est un concours annuel de renommée nationale pour les orchestres prestigieux des lycées. Commencé en 1996 à Jazz au Lincoln Center, le festival porte le nom d'Ellington en raison de l'importance que le festival accorde à ses œuvres.

Hommages

Après la mort de Duke, son fils Mercer a pris la direction de l'orchestre, jusqu'à sa propre mort en 1996. Comme le Count Basie Orchestra, ce "groupe fantôme" a continué à sortir des albums pendant de nombreuses années. Duke numérique, crédité au Duke Ellington Orchestra, a remporté le 1988 Grammy Award du meilleur album de grand ensemble de jazz. Mercer Ellington s'occupait de tous les aspects administratifs de l'entreprise de son père depuis plusieurs décennies. Les enfants de Mercer entretiennent un lien avec le travail de leur grand-père.

Gunther Schuller écrivait en 1989:

Ellington composa sans cesse jusqu'aux derniers jours de sa vie. La musique était en effet sa maîtresse; c'était sa vie totale et son engagement envers elle était incomparable et inaltérable. Dans le jazz, il était un géant parmi les géants. Et dans la musique du XXe siècle, il pourrait encore un jour être reconnu comme l'un des demi-douzaines de plus grands maîtres de notre temps.[92]

Martin Williams a déclaré: "Duke Ellington a vécu assez longtemps pour s'entendre nommé parmi nos meilleurs compositeurs. Et depuis sa mort en 1974, il n'est pas du tout rare de le voir nommé, avec Charles Ives, en tant que plus grand compositeur que nous ayons produit, quelle que soit sa catégorie. "[93]

De l'avis de Bob Blumenthal de Le Boston Globe en 1999: «[e] n siècle depuis sa naissance, il n'y a pas eu de plus grand compositeur, américain ou autre, qu'Edward Kennedy Ellington».[94]

En 2002, un universitaire Molefi Kete Asante a inscrit Duke Ellington sur sa liste de 100 plus grands afro-américains.[95]

Star sur le Hollywood Walk of Fame au 6535 Hollywood Blvd.

Ses compositions ont été revisitées par des artistes et des musiciens du monde entier à la fois comme source d'inspiration et comme fondement de leur propre carrière d'interprète.

Il existe des centaines d'albums consacrés à la musique de Duke Ellington et Billy Strayhorn par des artistes célèbres et obscurs. Dames sophistiquées, une revue musicale primée de 1981, a incorporé de nombreux airs du répertoire d'Ellington. Une deuxième comédie musicale de Broadway interpolant la musique d'Ellington, Jouer sur!, a fait ses débuts en 1997.

Perte de matière

Le 25 juin 2019, Le magazine du New York Times a classé Duke Ellington parmi des centaines d'artistes dont le matériel aurait été détruit dans le 2008 Feu universel.[97]

Discographie

Récompenses et honneurs

Grammy Awards

Ellington a remporté 14 Grammy Awards de 1959 à 2000, dont trois à titre posthume et un total de 24 nominations

Duke Ellington Prix ​​Grammy Histoire[98][90]
AnCatégorieTitreGenreRésultat
1999Album historiqueÉdition du centenaire de Duke Ellington
Enregistrements RCA Victor (1927–1973)
le jazzA gagné
1979Meilleure performance instrumentale de jazz, big bandDuke Ellington à Fargo, 1940 Livele jazzA gagné
1976Meilleure performance de jazz par un big bandLes Ellington Suitesle jazzA gagné
1972Meilleure performance de jazz par un big bandSuite Togo Bravale jazzA gagné
1971Meilleure performance de jazz par un big bandSuite La Nouvelle-Orléansle jazzA gagné
1971Meilleure composition instrumentaleSuite La Nouvelle-OrléansComposer / OrganiserNommé
1970Meilleure performance de jazz instrumental - Grand groupe ou soliste avec grand groupeDuke Ellington - Concert du 70e anniversairele jazzNommé
1968Prix ​​des fiduciairesPrix ​​national des administrateurs - 1968Prix ​​spéciauxA gagné
1968Meilleure performance de jazz instrumental - Grand groupe
Ou soliste avec grand groupe
... et sa mère l'a appelé Billle jazzA gagné
1967Meilleure performance de jazz instrumental, grand groupe
Ou soliste avec grand groupe
Suite Extrême-Orientle jazzA gagné
1966Prix ​​Bing Crosby - Le nom a été changé en GRAMMY Lifetime Achievement Award en 1982.Prix ​​Bing Crosby - Le nom a été changé en GRAMMY Lifetime Achievement Award en 1982.Prix ​​spéciauxA gagné
1966Meilleure composition jazz originale"Dans le Dieu du commencement"le jazzA gagné
1966Meilleure performance de jazz instrumental - Groupe ou soliste avec groupeConcert de musique sacrée (Album)le jazzNommé
1965Meilleure performance de jazz instrumental -
Grand groupe ou soliste avec grand groupe
Ellington '66le jazzA gagné
1965Meilleure composition jazz originaleSuite Iles Viergesle jazzNommé
1964Meilleure composition jazz originaleCréature de la nuitle jazzNommé
1964Meilleure performance jazz - grand groupe (instrumental)Première fois! (Album)le jazzNommé
1961Meilleur thème instrumental ou version instrumentale de la chansonBlues de ParisComposer / OrganiserNommé
1961Meilleur album de piste sonore ou enregistrement de la partition d'un film ou d'une télévisionParis Blues (Film) (Album)Musique pour les médias visuelsNommé
1960Meilleure performance de jazz en solo ou en petit groupeDos à dos - Duke Ellington et Johnny Hodges jouent le bluesle jazzNommé
1960Meilleure composition de jazz d'une durée de plus de cinq minutesIdiome '59le jazzNommé
1959Meilleure performance d'un orchestre de danseAnatomie d'un meurtrePopA gagné
1959Meilleure composition musicale enregistrée pour la première fois
Et sorti en 1959
(Durée de plus de 5 minutes)
Anatomie d'un meurtreCompositionA gagné
1959Meilleur album de bande sonore - Partition d'arrière-plan
À partir d'un film ou d'une télévision
Anatomie d'un meurtreCompositionA gagné
1959Meilleure performance jazz - GroupeEllington Jazz Party (Album)le jazzNommé

Grammy Hall of Fame

Les enregistrements de Duke Ellington ont été intronisés dans le Grammy Hall of Fame, qui est un Grammy Award spécial créé en 1973 pour honorer les enregistrements qui ont au moins 25 ans et qui ont une signification qualitative ou historique.

Duke Ellington: Prix ​​Grammy Hall of Fame[99]
Année enregistréeTitreGenreÉtiqueterAnnée d'intronisation
1932"Ça ne veut rien dire (si ça n'a pas ce swing)"Jazz (single)Brunswick2008
1934"Cocktails pour deux"Jazz (single)Victor2007
1957Ellington à NewportJazz (album)Columbia2004
1956"Diminuendo et Crescendo en bleu"Jazz (single)Columbia1999
1967Suite Extrême-OrientJazz (album)RCA1999
1944Noir, marron et beigeJazz (single)RCA Victor1990
1928"Fantaisie noir et feu"Jazz (single)Victor1981
1941"Prenez le train «A»"Jazz (single)Victor1976
1931"Humeur Indigo"Jazz (single)Brunswick1975

Honneurs et intronisations

AnCatégorieRemarques
2009Quartier américain commémoratifProgramme des quartiers des territoires américains et américains.[100][101]
2008Registres Gennett Walk of Fame
2004Temple de la renommée du jazz Nesuhi Ertegun
à Jazz au Lincoln Center
1999prix PulitzerCitation spéciale[4]
1992Temple de la renommée du jazz de l'Oklahoma
198622¢ timbre américain commémoratifÉmis le 29 avril 1986[102]
1978Temple de la renommée du big band et du jazz
1973français Légion d'honneur[103]6 juillet 1973
1973Diplôme honorifique en musique du Université Columbia16 mai 1973
1971Doctorat honoris causa du Collège de musique Berklee
1971Docteur honoris causa en musique de Université Howard[104]
1971Temple de la renommée des auteurs-compositeurs
1969Médaille présidentielle de la liberté
1968Prix ​​Grammy TrusteesPrix ​​spécial du mérite
1967Doctorat honorifique en musique du Université de Yale[105][106]
1966Prix ​​Grammy pour l'ensemble de sa carrière
1964Diplôme honorifique, Collège Milton, Wisconsin
1959Médaille NAACP Spingarn
1957Deutscher Filmpreis: Meilleure musiquePrix ​​remporté pour le film Jonah avec un collègue compositeur Winfried Zillig
1956DownBeat Intronisé au Jazz Hall of Fame

Voir également

Les références

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Lectures complémentaires

Liens externes

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